Há um traço irritantemente comum entre fotógrafos, criadores de imagens, pessoas que trabalham com imagens, etc. Às vezes esquecemos que a razão de termos acesso a equipamentos e técnicas tão incríveis é porque aqueles que vieram antes de nós em nosso comércio os descobriram, os praticaram, avançá-los e então nos deixou um legado de conhecimento. Quanto mais retrocedemos na história da fotografia, mais prevalente se torna essa apatia. O que você precisa aprender com alguém que usou uma câmera menos avançada do que um controle remoto de porta de garagem? Bem, ao que parece, temos que aprender muito. Talvez não do ponto de vista tecnológico, mas de uma forma mais intangível que é mais difícil de avaliar e fácil de perder.
Isso não quer dizer que você não possa melhorar sua fotografia estudando os métodos de alguns dos mestres. Seu equipamento era variado e menos avançado, mas isso apenas tornava seu trabalho mais extraordinário e sua habilidade ainda mais humilhante.
Henri Cartier-Bresson
Imagem de Gertrude Käsebier
Mesmo se o nome não soar como uma campainha em sua memória, é provável que você já tenha visto o trabalho dele em algum momento. Ele foi literalmente o inventor do estilo fotojornalístico … deixe isso assim por um ou três minutos. Antes de Cartier-Bresson, a fotografia de rua adequada como a conhecemos e a “reportagem de natureza morta”, como ele a chamava, não eram uma forma bem praticada ou validada de fotografia.
Nascido em uma família francesa de classe alta relativamente bem colocada em 1908, Cartier-Bresson, como tantos fotógrafos conhecidos, não começou com a intenção de ser assim. Pintar era sua principal atividade antes de pegar uma câmera. Tudo mudou em 1931, quando ele viu uma fotografia do fotógrafo húngaro Martin Munkacsi. Era uma imagem de três meninos surfando em um lago na África. Cartier-Bresson disse que “não conseguia acreditar que tal coisa pudesse ser capturada com uma câmera” e que “de repente entendeu que uma fotografia pode consertar a eternidade em um instante”. A fotografia o levou a abandonar a pintura e começar a fazer fotografias. Ele era totalmente um registrador da espontaneidade da experiência humana. Há muito que você pode aprender com Henri Cartier-Bresson para melhorar todos os aspectos de suas fotos.
Lições que você pode aprender com Henri Cartier-Bresson:
Esforce-se para ser invisível
Quando você trabalha como fotógrafo, não demora muito para entender que os humanos tendem a mudar drasticamente quando percebem que estão sendo fotografados. Seus maneirismos, expressões e aparências tornam-se visivelmente diferentes. A visibilidade rouba o realismo muito rapidamente se você não tomar cuidado. Cartier-Bresson entendeu isso e se transformou em uma espécie de ninja fotográfico. Ele filmou com câmeras relativamente pequenas, geralmente Telêmetros Leica 35mm. Você tem que entender que a maioria dos fotógrafos de sua época usava câmeras de formato maior que praticamente gritavam "Ei, estou tirando uma foto de você !!!" O anonimato permitiu que ele capturasse a essência de qualquer cena de uma forma crua e discreta.
Cartier-Bresson chegou a esconder todas as superfícies brilhantes de seu equipamento com tinta preta para diminuir ainda mais sua pegada como fotógrafo. Você pode não querer ir tão longe, mas o ajudará a capturar imagens melhores se você se misturar ao ambiente. Planeje suas sessões de maneira prática. Não pegue mais equipamento do que o necessário e mantenha um perfil discreto. Tente esperar até que esteja pronto para fazer uma exposição antes de levantar a câmera. Pratique o uso dos controles da câmera e memorize sua colocação. Além disso, evite usar flash se ele interferir no assunto. Supostamente, Cartier-Bresson nunca usou um flash para suas imagens, pois as considerava indelicado e perturbador. A fotografia, especialmente o fotojornalismo, depende da captura sincera da vida em toda sua beleza e, lamentavelmente, de sua infelicidade ocasional. Tente mantê-lo real, literalmente.
Compor na câmera
Eu sei eu sei. Você provavelmente já ouviu isso antes e provavelmente está cansado de ouvir essa frase ser arremessada contra você. Eu sinto sua dor. Eu sempre reviraria os olhos sempre que um fotógrafo experiente ou um escritor bem-intencionado falasse sobre a importância de acertar as coisas na câmera. Vamos ser reais aqui. É tão fácil cortar uma imagem no computador em vez de usar o visor da câmera. É muito mais conveniente recuperar uma imagem menos exposta do que pensar em suas combinações de abertura e obturador.
O pós-processamento de fotografias é uma coisa maravilhosa. Mudar completamente uma fotografia, no entanto, nem sempre é o ideal. Cartier-Bresson era absolutamente anti-manipulação de fotos e acreditava que qualquer fotografia deveria ser cortada no visor antes de ser capturada. Quase todas as suas fotografias foram impressas em tamanho cheio e até incluíram cerca de um milímetro do negativo não exposto, de modo que suas impressões acabadas exibiram uma borda preta fina para provar ainda mais a ausência de corte.
Qualquer imagem é tão boa quanto os ingredientes colocados em sua feitura. Portanto, tente colocar os melhores ingredientes possíveis em seu trabalho para que seu produto acabado seja algo que você terá orgulho de exibir e diga “Eu fiz isso”.
Concentre-se tanto na arte quanto na ciência
O que fazemos como fotógrafos teria sido considerado mágico em uma época anterior. Mesmo no nível básico, é uma ciência incrível. Registramos uma luz completamente única e passageira. Você nunca fará exatamente a mesma fotografia duas vezes. A ciência da produção de imagens é uma parte essencial do nosso processo criativo, mas nunca deve ser vista como a única parte.
Surpreendentemente, Cartier-Bresson expressou, em várias ocasiões, sua quase total falta de interesse na parte mais técnica de fazer fotografias. A revelação e impressão de seus negativos, ações tão cuidadosamente controladas e resguardadas pelos fotógrafos mais sérios da época, eram válidas apenas para ele nos casos em que permitiam uma expressão mais eficaz de sua visão. Ele viu a câmera como uma ferramenta e o desenvolvimento e a impressão apenas como um meio para um fim muito antecipado. Ele disse que “as pessoas pensam muito sobre as técnicas e não o suficiente sobre a visão”.
Você pode perder sua direção durante o processo de criação de uma imagem. Às vezes, deixamos o perfeccionismo técnico obscurecer nossa visão inicial. O conhecimento profundo do seu equipamento é essencial para crescer como fotógrafo. No entanto, como Cartier-Bresson nos diz, não se permita ficar tão focado em suas ferramentas a ponto de esquecer seu ofício.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz nasceu neste mundo em 1 de janeiro de 1864 e deixou-o em 13 de julho de 1946. Qualquer outra coisa que eu possa dizer sobre o impacto da vida do homem no mundo da fotografia e da arte criativa ficará inacreditavelmente aquém da medida completa de gratidão que devemos a ele como fotógrafos. Isso não é hipérbole. Antes de Stieglitz, a fotografia não era considerada uma forma de expressão artística. Não havia escolas reais de fotografia, e certamente não era considerada arte elevada no nível da pintura e da escultura. Stieglitz deu aos artistas uma oportunidade para mostrar seu trabalho ao público e foi o catalisador que ajudou a iniciar a carreira de muitos artistas famosos, incluindo as pinturas de Georgia O’Keeffe e as lendárias fotografias do grande Ansel Adams. Stieglitz sempre esteve aberto a novas técnicas e pensamentos inovadores em relação à arte.
Seu trabalho está distante do nosso tempo por quase um século, e muitos dos mecanismos técnicos que ele usava agora estão obsoletos. Ainda assim, há muito a se ganhar com Alfred Stieglitz e suas contribuições. Podemos aprender com sua abordagem do mundo da arte como um todo, para nos aprimorarmos como fotógrafos.
Lições que você pode aprender com Alfred Stieglitz:
Expresse-se quando puder
Stieglitz criou uma série de imagens chamadas “Equivalentes”. É uma coleção de fotografias que mostram uma variedade de diferentes formações de nuvens. Cada imagem era uma auto-reflexão dos pensamentos, emoções e experiências que ele estava sentindo no momento em que a moldura foi exposta. Isso tornava cada imagem única apenas para ele. Ele foi a única pessoa que realmente entendeu como se sentia a cada liberação do obturador. Então saia e fotografe algo que te faça feliz. Compartilhe com outras pessoas, se desejar, ou apenas guarde para você. Vá e tire fotos de algo que seja lindo ou significativo para você. O ato em si é muito libertador.
Este local tem um significado especial apenas para mim. Eu fiz esta foto para mim e mais ninguém.
Você pode estar pensando “Eu me expresso com todo o meu trabalho”, mas realmente pense nisso por um momento. Você já tirou uma fotografia e imediatamente considerou como ela poderia ser aceita ou rejeitada por outras pessoas? Você às vezes compartilha uma imagem que você pessoalmente considera excelente, mas que ninguém mais parece se importar? Todos nós temos feito isso com mais frequência do que poderíamos admitir confortavelmente.
Quebre as regras se quiser
Simplificando, qualquer fotografia que já foi produzida, resultou de uma combinação das seguintes variáveis: tamanho da abertura, velocidade do obturador, profundidade de campo, comprimento focal, sensibilidade do receptor de imagem e composição (filme, sensor digital, ect) e isso é tudo. O segredo para fazer uma ótima imagem é juntar todas as peças de forma que elas convertam o que você só conseguia ver em uma fotografia. Essas são as únicas regras rígidas na fotografia. No final, é você quem faz as escolhas e opera a câmera.
Não tenha medo de pensar fora da caixa!
Um trabalho realmente excelente resultou de sair do mainstream. Existem muitas imagens impressionantes que ignoram completamente a regra dos terços, linhas principais, horizontes e assim por diante. Nunca descarte completamente as diretrizes, mas também não se convença de que você está permanentemente vinculado a elas. Aprender e praticar os blocos de construção testados e comprovados de uma fotografia forte o ajudará muito. Lembre-se de que o trabalho inovador muitas vezes surge da violação das regras.
Procure inspiração em todos os lugares
Stieglitz promoveu todas as formas de arte. Ele abriu galerias para exibir as obras de pintores, escultores e, claro, fotógrafos. Ele não se limitou apenas à fotografia, ou pintura, ou a trabalhos feitos de pedra e argila. Em vez disso, ele bebeu tudo. Ele reconheceu que estava tudo emaranhado e entrelaçado.
Como fotógrafos, somos capazes de projetar quase instantaneamente o que às vezes leva dias ou semanas para outros artistas, ou até meses para criar. No entanto, essa relativa facilidade de criação pode gradualmente colocar antolhos em nosso pensamento criativo. Podemos chegar a um ponto em que apenas olhamos para outras fotos em busca de inspiração. Esse tipo de pensamento limita nosso escopo como artistas. Essa mentalidade é especialmente perigosa para novos fotógrafos e pode levar à frustração, decepção e, pior ainda, emulação que se transforma em plágio.
Não se deixe ter uma visão artística de túnel. Comece a buscar inspiração em todos os lugares para abastecer sua fotografia. Esboços em preto e branco, pinturas, esculturas em madeira, arquitetura, pinturas infantis com os dedos - tudo tem o potencial de dar um toque de criatividade que você pode moldar em inspiração fotográfica. A verdade é que você realmente nunca sabe o que o inspirará.
Por favor, compartilhe suas perguntas e comentários abaixo. Você já ouviu falar desses dois mestres antes? Eles influenciaram sua fotografia?