Como uma das três cores primárias na teoria das cores tradicionais e no modelo de cores RGB, o maior impacto do azul está em sua capacidade de transmitir emoções fortes. O pintor Vincent van Gogh disse uma vez “Nunca me canso do céu azul”, o seu fascínio provando ser parte integrante de muitas das suas pinturas mais famosas. Neste artigo, daremos uma olhada detalhada na história do azul nas artes visuais e o que isso significa para a sua fotografia.
A psicologia do azul
A cor tem um efeito profundo em nossa psicologia. O espalhamento de Rayleigh, um fenômeno óptico que faz com que o mar e o céu pareçam azuis, forja uma associação psicológica entre a cor azul e as qualidades percebidas do azul na natureza. Por exemplo, a antiga dualidade do mar e do céu gera uma relação visual entre o azul e impressões de consistência e confiança. As associações de Blue com a água a ligam a limpeza e refrigério, mas também a lágrimas. Consequentemente, uma pessoa que sente tristeza é considerada sentindo-se triste.
A luz fria do inverno e o tom azul do gelo estabelecem conexões entre o azul e o frio. O céu azul claro se tornou sinônimo de felicidade, relaxamento e tranquilidade. A tonalidade azul da luz do dia ajuda a regular nossos ritmos circadianos. O azul também reduz os níveis de estresse, estimulando a calma. Isso tem aplicações práticas; os hospitais costumam ser pintados em tons de azul para ajudar a aliviar a ansiedade do paciente. Além disso, muitos medicamentos são dispensados na forma de comprimido azul.
Acredita-se que o azul simbolize o gênero masculino nas culturas ocidentais - embora nem sempre tenha sido o caso. Na China, o azul se manifesta como uma cor de cura, relaxamento e imortalidade. Em países como Turquia, Grécia e Albânia, diz-se que o azul repele o mal. A tradição hindu associa o azul a Krishna, uma divindade que incorpora o amor, a virtude e a divindade. Além disso, nas línguas alemã, sueca e norueguesa, diz-se que uma pessoa ingênua olha para o mundo com um olho azul.
Jodhpur - a cidade azul da Índia.
A evolução da cor azul
Azul egípcio
O azul egípcio é considerado o primeiro pigmento sintético. Produzido pelos antigos egípcios por volta de 2.200 aC, o azul egípcio era feito de uma mistura de calcário moído, areia e um mineral contendo cobre (como azurita ou malaquita). A mistura foi aquecida até 1650 ° F, produzindo um vidro azul opaco. O vidro foi então triturado e combinado com agentes espessantes para aplicação.
Associado ao rio Nilo e ao céu, os antigos egípcios usavam o azul egípcio para pintar murais, estátuas e cerâmicas. Eventualmente, o azul egípcio se espalhou para o Oriente Próximo, o Mediterrâneo Oriental e o Império Romano. O uso do azul egípcio continuou durante os períodos tardio e greco-romano. No entanto, o pigmento morreu no século IV dC, quando a receita para sua fabricação foi perdida.
Ultramarine
O lápis-lazúli apareceu pela primeira vez como um pigmento em pinturas dos séculos 6 a 7 dC em templos zoroastrianos e budistas afegãos. Durante os séculos 14 e 15, os comerciantes italianos enviaram o pigmento para a Europa. Lá, era chamado de ultramar ou Ultramarinus (significado além do mar em latim).
Durante séculos, o custo do pigmento ultramarino rivalizou com o preço do ouro. Posteriormente, os artistas usaram ultramar apenas nos aspectos mais imperativos de uma pintura. Essa aplicação criteriosa culminou em associações entre a cor azul e o status.
Ultramarine permaneceu quase proibitivamente caro até que um processo artificial foi descoberto em 1828 por Jean Baptiste Guimet. A produção comercial do ultramar sintético teve início em 1830 e ficou conhecido como Ultramar francês.
Azul cobalto
Nos séculos 8 e 9, o azul cobalto era usado para colorir porcelanas e joias na China. Uma versão do azul-cobalto à base de alumina foi posteriormente descoberta pelo químico francês Louis Jacques Thénard em 1802. A produção comercial do pigmento começou na França em 1807.
Resistente à luz, estável e compatível com outros pigmentos, impressionistas como Pierre-Auguste Renoir e Claude Monet adotaram prontamente o azul-cobalto como alternativa ao caro ultramarino. Pós-impressionistas como Vincent van Gogh e Paul Cezanne também fizeram uso do azul cobalto. De acordo com o Musée d'Orsay, van Gogh usou uma combinação de azul da Prússia, cobalto e ultramar para criar os tons noturnos de Noite estrelado sobre o Rhone. O próprio Van Gogh afirmou que “o cobalto é uma cor divina e não há nada tão bonito para criar uma atmosfera …”
Cerúleo
Cerúleo é uma palavra latina que se traduz como céu azul. Originalmente composto por estanato de cobalto-magnésio, o cerúleo foi refinado por um processo desenvolvido em 1805 por Andreas Höpfner na Alemanha. Cerulean não foi vendido como pigmento de um artista até 1860 pela Rowney and Company. Quando se tornou disponível, entretanto, a cor, variando entre o azul celeste e o azul escuro, tornou-se popular entre os artistas.
Em 1999, Pantone divulgou um comunicado declarando Cerulean Blue como o cor para o milênio. Leatrice Eiseman, diretora executiva do Pantone Color Institute, afirmou que “… o azul cerúleo pode trazer uma certa paz porque lembra o tempo passado ao ar livre, na praia, perto da água… além disso, torna o desconhecido um pouco menos assustador porque o céu … é uma constante … esse é o fator de confiabilidade do azul. ”
Lisa Herbert, vice-presidente de comunicações corporativas em todo o mundo, Pantone Inc., continuou dizendo "nossos estudos mostram que o azul é a cor favorita principal … independentemente da cultura, sexo ou origem geográfica … (nos) EUA (e) Europa e Ásia também. Escolhemos o azul cerúleo como a cor oficial do milênio devido ao seu apelo de massa. ”
Cerúleo é a palavra latina para azul celeste
Azul da Prússia
O azul da Prússia foi aparentemente descoberto por acidente. Por volta de 1706, o produtor de pigmentos e corantes Johann Jacob Diesbach estava misturando insetos de cochonilha triturados, sulfato de ferro e potássio para criar um lago vermelho de cochonilha. Sem que ele soubesse, o potássio que usou estava contaminado com sangue animal. A mistura resultante acabou sendo o primeiro pigmento sintético moderno, um rico azul escuro que foi rapidamente reconhecido por suas aplicações artísticas.
Barato, fácil de produzir, não tóxico e intensamente colorido, o azul da Prússia se espalhou pelo mundo da arte. De Pieter van der Werff O sepultamento de Cristo é o exemplo mais antigo conhecido de azul da Prússia em uma obra de arte. Outros exemplos iniciais incluem Antoine Watteau Peregrinação a Cythera e pinturas produzidas em Berlim em 1710 por Antoine Pesne.
A artista de xilogravura japonesa Katsushika Hokusai usou o azul da Prússia (assim como o corante índigo) para criar o Grande Onda fora de Kanagawa. Em 1842, as experiências do cientista e astrônomo inglês Sir John Herschel com o azul da Prússia levaram à invenção do cianótipo.
Klein internacional azul
International Klein Blue (IKB) é um tom de azul profundo desenvolvido pelo artista francês Yves Klein e Edouard Adam, um fornecedor de tintas para arte parisiense. Klein suspendeu seu pigmento ultramarino favorito em um aglutinante de resina sintética fosco feito de extratos de petróleo. Isso permitiu que o rico matiz azul fosse aplicado sem perda de vibração. Telas de uma única cor, bem como empreendimentos performativos elaborados, foram sustentados pelo uso extensivo de Klein do brilhante IKB.
YInMn azul
Muito parecido com o azul da Prússia, YlnMn (pronuncia-se Yin Min) o azul foi descoberto por acidente. Em 2009, na Oregon State University, o professor Mas Subramanian e seu então aluno de graduação Andrew E. Smith estavam investigando novos materiais para fazer eletrônicos. A dupla estava experimentando as propriedades do óxido de manganês, aquecendo-o a aproximadamente 2.000 ° F. O que emergiu da fornalha, entretanto, foi um impressionante composto azul. Nomeado após sua composição química de ítrio, índio e manganês, o pigmento azul YlnMn foi lançado para uso comercial em junho de 2016. De acordo com a empresa de tintas Derivan YlnMn, o azul é “não tóxico com excelentes atributos de arquivamento”.
Azul nas artes visuais
Arte Antiga ao Renascimento
O azul é uma presença duradoura ao longo da história da arte. Os antigos egípcios decoravam murais e tumbas em tons de azul. As paredes das vilas romanas em Pompéia tinham afrescos de céu azul. Os artistas gregos usaram o azul como cor de fundo atrás dos frisos dos templos gregos e para colorir as barbas das estátuas.
O azul escuro foi amplamente utilizado na decoração de igrejas no Império Bizantino. A arte bizantina retratou Cristo e a Virgem Maria vestidos de azul escuro ou roxo. Azulejos elaborados em azul escuro e turquesa foram usados para decorar mesquitas e palácios da Espanha à Ásia Central.
No início da Idade Média na Europa, o azul desempenhava um papel menos significativo em relação às outras cores. No entanto, no século 12, pintores na Itália e na grande Europa foram instruídos pela Igreja Católica Romana a pintar as vestes da Virgem Maria com ultramar, o pigmento mais novo e caro da época. O guarda-roupa atualizado da Virgem Mãe resultou no azul sendo associado à santidade, humildade e virtude.
Durante o Renascimento, os artistas começaram a pintar o mundo como ele era visto na vida real, misturando tons de azul com tinta branca de chumbo para articular sombras e destaques. Em Ticiano Noli me Tangere e Baco e Ariadne, diferentes tons de azul são colocados em camadas para cultivar profundidade e tensão. Em outro exemplo, a Madona do Prado de Rafael retrata Maria usando um manto azul profundo contra um vestido vermelho, um contraste impressionante contra um fundo preenchido com tons de marrom e azul claro.
Rococó à arte contemporânea
O movimento de arte Rococó retratou mitologia e retratos despreocupados da vida doméstica da classe alta com céus azuis pastéis e ricos móveis azuis. O romantismo usava o azul predominantemente para transmitir drama nos céus, e impressionistas como Claude Monet usaram o azul para investigar a luz e o movimento em paisagens naturais e artificiais.
Enfatizando a cor forte sobre o representacional, as figuras de Fauvist Henri Matisse em Dança círculo nu sob um céu azul aberto. Starry Night seminal do expressionista van Gogh, transmite o céu noturno em azuis e amarelos ativos. O uso extensivo do cubista Pablo Picasso do azul da Prússia definiu seu período azul, enquanto os surrealistas adotaram o azul para orientar e desorientar o observador simultaneamente.
A partir do século 20, os artistas começaram a se libertar dos limites do literal. Como resultado, os artistas olharam para a cor como uma ferramenta para canalizar as emoções. Exemplificado no expressionismo abstrato, Jackson Pollock's Pólos azuis, é composta de fios caóticos de pretos, verdes, laranjas, brancos, amarelos e cinzas temperados por nove linhas verticais azuis. Mark Rothko fez experiências extensivas com o azul, assim como Barnett Newman, ambos os artistas usando a cor como um dispositivo para transcender os limites da tela. E os azuis manchados de Helen Frankenthaler enfatizam o achatamento e a dimensionalidade do espaço.
Com a chegada de tecnologias e materiais modernos, os exemplos contemporâneos do azul na arte são ricos e variados. Cristalino de Roger Hiorns Convulsão, espaço transformado com cor, luz e química. Katharina Fritsch's Hahn / Cock brinca com nosso senso de escala e relacionamento com os animais. E de Anish Kapoor Sky Mirror, Azul desafia nossas percepções de um ambiente urbano, re-imaginar a paisagem através das lentes de um grande espelho côncavo azul.
Azul na fotografia
Nascidas da natureza e da arte, as associações do azul desempenham um papel crítico na transmissão da natureza da imagem fotográfica. Luigi Ghirri explorou a relação entre forma e espaço, incorporando grandes campos de céu azul em suas imagens. O pioneiro das cores, Martin Parr, usa blues ricos para criar uma justaposição surreal entre sujeito, objeto e natureza. Bill Henson usa tons de azul para cultivar dramas fotográficos experienciais. David Burdeny fotografa paisagens de precisão, usando o azul para ilustrar a materialidade de suas vistas abstratas. Já Gregory Crewdson e Didier Massard usam o azul para sinalizar o tempo, o lugar e a atmosfera em suas imagens.
A cor azul também tem outras aplicações na fotografia. Ocorrendo logo após o pôr do sol e pouco antes do nascer do sol, a hora azul é um período em que o sol se põe abaixo do horizonte e a luz solar residual assume uma tonalidade azul. Valorizada por sua qualidade suave de luz, a hora azul é popular entre os fotógrafos de retratos e paisagens. Além disso, os filtros azuis (aplicados na câmera ou na pós-produção) são usados na fotografia em preto e branco para aumentar a aparência de névoa e neblina.
Conclusão
Yves Klein disse uma vez que “o azul não tem dimensões, está além das dimensões”. Ao longo da história, o azul comunicou a cor inefável e transcendente e tocou nossa espiritualidade e senso de identidade. Associado à natureza, calma, reverência, pureza, confiança e tristeza, o azul incorpora o peso visual da emoção e da experiência humana.
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