O que antes era um pequeno nicho estranho na fotografia é agora um fenômeno mundial. A popularidade da fotografia de comida só está crescendo se os 32 milhões de postagens atualmente no Instagram servirem de referência.
A fotografia de comida veio para ficar, mas não é um gênero fácil de dominar.
Nosso guia fornece algumas das principais dicas e truques para ajudá-lo a obter resultados de dar água na boca.
Equipamento
Máquinas fotográficas
A primeira coisa a se pensar quando você está em busca de um novo corpo de câmera é o tamanho do sensor.
Quer você decida comprar uma câmera com sensor recortado ou investir em uma câmera full-frame, seu orçamento provavelmente determinará sua escolha.
O importante é saber que sua câmera e lentes se comportam de maneira diferente quando têm um sensor recortado e um full-frame.
Cada câmera tem um fator de corte. Este é um número usado para descrever o quanto a câmera está cortando sua imagem em relação ao padrão de 35 mm.
Uma câmera full-frame corresponde ao padrão de corte de 35 mm de uma câmera de filme tradicional. Tem um tamanho de sensor de 24 mm x 36 mm. Um sensor recortado é menor do que isso e, portanto, mais barato para os fabricantes de câmeras. Não corresponde a muitas lentes e as imagens finais parecem diferentes.
A Canon Rebel, por exemplo, tem um fator de corte de 1,6. Isso significa que você multiplica 1,6 vezes a distância focal de sua lente para obter a distância focal real que parecerá com suas fotos foram tiradas.
Em uma câmera full-frame, uma lente de 50 mm se comporta como uma de 50 mm. Coloque essa mesma lente em uma câmera com sensor recortado, ela se comporta mais como uma 80mm.
Lentes
As lentes são onde você deve gastar a parte mais significativa do seu orçamento. Você deve considerá-los um investimento de longo prazo em seu ofício.
Aqui estão os fatores a serem considerados:
Nitidez
Sua maior preocupação ao comprar uma lente é a nitidez.
As lentes Prime são preferidas ao fotografar alimentos porque são mais nítidas do que as lentes zoom.
As lentes de zoom têm mais partes móveis que permitem que o zoom funcione. Isso tende a resultar em menor qualidade e nitidez de imagem.
As lentes Prime são geralmente 'mais rápidas'. Eles têm uma abertura máxima maior, o que permite velocidades mais rápidas do obturador.
Eles também oferecem uma profundidade de campo muito mais estreita, permitindo que você isole o assunto e obtenha aquele fundo desfocado realmente agradável que todos amamos na fotografia de alimentos.
A lente de 50 mm
A 50 mm também pode ser uma lente útil, especialmente se você não tiver um zoom. Essa lente é boa para fotos aéreas e cenários de mesa. No entanto, pode causar alguma distorção ao tirar uma foto no estilo retrato. Na fotografia de alimentos, a 50mm é considerada uma lente grande angular.
A 50mm f / 1.8 costuma ser chamada de “nifty-thirty” porque oferece resultados decentes por um preço muito baixo. Se você está apenas começando e seu orçamento está apertado, compre este.
A lente 24-70mm
Embora os primos sejam ideais, na verdade é muito útil ter uma lente de zoom em seu kit, como uma de 24-70 mm.
É muito nítido para uma lente de zoom e muito versátil. Muitos fotógrafos de comida consideram isso um grampo em seu kit.
The 60mm Macro
Se você está fotografando com um sensor recortado, uma macro de 60 mm é uma ótima escolha.
Em um sensor recortado, é mais como ter um 100 mm. Se você atualizar para full-frame, poderá usá-lo como faria com um 50mm.
Essa lente permite que você obtenha fotos com visão de 3/4 do seu assunto com um belo bokeh em um sensor recortado.
Você também não obterá a distorção neste ângulo que faria ao fotografar com uma distância focal mais ampla, como 50 mm.
A macro 100 mm
Uma lente excelente para ter em seu kit é uma lente macro de 100 mm. Essa lente não é apenas para fotos macro ou close-up, embora também seja ótima nisso.
Afastando-se mais do set, você também pode obter ótimas fotos no estilo retrato. A distância focal proporcionará um ótimo fundo desfocado.
Se você escolher a lente macro de 100 mm / 105 mm em um sensor recortado, estará fotografando com uma distância focal de 150 mm.
Esta será uma colheita muito apertada, o que pode ser um problema se o espaço for um problema.
Tripés
Um tripé é um devo para fotografia de alimentos. Ele ajuda a criar imagens consistentes e libera suas mãos para personalizar o estilo de acordo com o que você vê pela câmera.
O maior requisito em um tripé é a estabilidade. Um tripé precisa ser capaz de suportar o peso da câmera e da lente.
Ao comprar um tripé, procure um com altura e orientação ajustáveis. É aqui que você tem uma coluna central que pode mover.
Certifique-se de que possui pés de borracha para evitar escorregões e de carga útil elevada.
A carga útil se refere à quantidade de peso que o tripé é capaz de suportar. Ele precisa suportar o peso da câmera, da lente e de qualquer outra adição, como um suporte ou braço de extensão.
Estilismo Alimentar
O objetivo do estilo de comida é fazer com que a comida tenha a melhor aparência. A maioria dos alimentos precisa de um pouco de cuidado para ficar apresentável para a câmera.
Aqui estão algumas coisas a serem consideradas ao abordar o estilo de comida:
Use os alimentos mais frescos possíveis
A comida que você grava precisa ser o mais fresca possível para que pareça atraente em suas imagens. Ao comprar seus ingredientes, tome cuidado para comprar os itens mais frescos e mais bonitos disponíveis.
Sempre tenha sua cena, iluminação e câmera pronta antes de colocar sua comida no set.
Ao ajustar as configurações de iluminação e câmera, use um substituto de cor e formato semelhantes à sua comida como substituto. Substitua-o pelo seu “herói” (seu principal assunto alimentar) no último momento, para que pareça o mais fresco e apetitoso possível.
Compre mais do que você precisa
Ao comprar mantimentos, certifique-se de comprar mais do que você acha que vai precisar para a sessão de fotos. A comida seca, derrete, fica marrom ou começa a parecer desagradável em um curto espaço de tempo.
Ele precisa ser substituído por itens mais novos.
Dependendo da comida, você também pode precisar de muitos itens para preencher o quadro.
Chapeamento
O fator mais importante na escolha dos pratos nos quais vai apresentar a comida é o tamanho.
Os objetos podem parecer muito diferentes para a câmera do que para os olhos e geralmente parecem maiores do que esperamos. Por esse motivo, é uma boa ideia escolher pratos menores do que você usaria normalmente.
Apresente seus assuntos em pratos de salada ou pratos menores. Placas grandes podem diminuir o assunto principal e dominar o quadro.
Guarnições
Ervas e especiarias, e itens como croutons, podem melhorar suas fotos de comida.
Raminhos de várias ervas, como alecrim, podem ser amarrados com barbante de cozinha para fazer pequenos buquês que você pode usar para adicionar contexto à sua história de comida.
Você pode realçar uma tigela de sopa simples com um fiozinho de creme e uma pitada de cebolinha picada.
A chave é que suas guarnições devem fazer sentido dentro do contexto mais amplo de sua cena. Se você está atirando em salmão com molho de limão e endro, não decore com manjericão.
Ao usar ervas, use o mais fresco possível e substitua-as enquanto atira. Eles murcham ou oxidam rapidamente. As ervas cortadas podem ser mantidas frescas na geladeira por muito mais tempo quando embrulhadas em uma toalha de papel úmida.
Adereços
Você precisa ter uma coleção de adereços de fotografia de comida.
Um adereço é qualquer item que você usa no set para realçar a imagem. Na fotografia de alimentos, normalmente são utensílios de cozinha, como pratos e talheres, tigelas e utensílios de cozinha e roupa de cama.
Ao selecionar seus adereços, pense em seu estilo de fotografia de comida e que tipos de adereços o complementariam.
Se o seu estilo for realmente limpo e elegante, ou mais refinado, tais adereços não fariam muito sentido e você ficaria melhor com peças mais delicadas.
Em geral, fique longe de cores muito brilhantes e padrões ousados, pois eles desviam a atenção da comida. Peças coloridas podem adicionar um ponto de interesse, mas precisam trabalhar com a composição geral e a sensação da foto.
Não use muitos acessórios. Alguns dos adereços certos podem ter muito impacto ao contar uma história visual, mas muitos irão distrair o espectador e dominar a imagem.
Ao selecionar seus adereços, comece com uma ou duas peças, talvez um prato de salada neutro e uma faca ou colher vintage. Em caso de dúvida, mantenha as coisas simples.
Fundos
Você precisará de uma variedade de planos de fundo interessantes para colocar sua comida.
Use uma variedade de itens para seus planos de fundo, como tecido, papel artesanal ou ladrilhos grandes. Você também pode ser criativo e fazer o seu próprio.
Compre folhas de madeira e pinte ou manche você mesmo. Existem também alguns excelentes recursos online para a compra de fundos profissionais de fotografia de alimentos e são enviados para todo o mundo.
Ao fotografar alimentos, fundos neutros ou em tons frios, como o azul, geralmente funcionam melhor.
Iluminação
Modificadores de iluminação
Quer você use luz natural ou artificial, você precisará modificar sua fonte de luz.
Um item importante em seu kit é um difusor. Este é um painel de material totalmente branco que você coloca na borda de sua mesa para suavizar a luz que atinge sua cena.
Você também precisará de algumas ferramentas simples para refletir e absorver a luz. Você pode comprar um kit refletor profissional 8 em 1, com discos dobráveis em uma variedade de materiais para usar em suas fotos, conforme ilustrado abaixo.
O refletor de prata, por exemplo, pode iluminar sua comida, enquanto o refletor de ouro irá adicionar calor. Geralmente também vem com um difusor.
Para uma versão DIY, você também pode usar papelão preto ou branco simples comprado em uma loja de artesanato ou do dólar. O branco ilumina sua cena, enquanto o preto absorve a luz.
Estilos de iluminação
Você deve ter uma ideia de como deseja que a imagem final fique antes de pegar a câmera. Você quer que a luz pareça suave e dimensional ou está procurando um contraste impressionante?
Quanto maior o contraste entre claro e escuro, mais dramática será a imagem. Freqüentemente, seu assunto ditará a luz que você escolher.
Na próxima vez que você fotografar, fotografe o assunto em luz suave e forte e observe a diferença. Como cada abordagem afeta o resultado final? Muitos fotógrafos tendem a gravitar para um ou outro como parte de seu estilo.
Iluminação lateral
É quando sua luz está vindo diretamente ao lado da comida.
A iluminação lateral é uma boa abordagem para muitas das suas fotografias de alimentos. Funciona com a maioria das configurações e é fácil de usar.
Coloque um refletor ou cartão rebatível no lado oposto à luz. Dependendo da quantidade de sombra desejada na lateral da comida, mova-a para mais perto ou mais longe, ou use um refletor menor ou maior.
Ao gravar cenas brancas e arejadas, você ainda deseja alguma sombra para adicionar dimensão.
Retroiluminação
A luz de fundo é quando você posiciona a luz atrás da comida.
Se você imaginar o mostrador de um relógio, é às 12 horas. Esta é uma posição ideal para bebidas ou sopas, pois adiciona brilho e destaca as propriedades líquidas dos alimentos.
Em geral, a luz de fundo é muito lisonjeira para os alimentos. Faz com que brilhe e realce sua textura.
No entanto, pode ser complicado de trabalhar porque pode fazer com que a imagem fique muito clara no verso e muito escura na frente. Muito contraste significa que a parte de trás da foto será estourada, com uma perda de desfoque de detalhes no assunto principal. Contraste insuficiente resultará em uma foto estourada ou que parecerá desbotada, que é o que acontece quando você tira fotos com muita luz.
Retroiluminação lateral
A retroiluminação lateral é uma combinação dos primeiros dois tipos de iluminação. É o melhor dos dois mundos e o mais fácil de trabalhar. Aqui, nossa luz é colocada entre 10 e 11 horas.
Com este estilo de iluminação, você obtém o brilho da superfície fornecido pela luz de fundo sem o risco de superexposição. Você também não tem que refletir tanta luz na frente da comida porque a luz está vindo em um ângulo maior.
Ao usar a luz de fundo lateral, você terá que brincar com a altura da sua luz em relação à sua cena, dependendo de como deseja que as sombras caiam.
Quanto mais próxima a fonte de luz estiver do aparelho, mais suave será a queda.
Ângulos de câmera
O ângulo da câmera pode ter um efeito poderoso na imagem final.
Antes de pegar sua câmera, você precisa pensar sobre que tipo de comida ou prato você está filmando e qual ângulo da câmera ajudará a destacar seus melhores recursos.
Existem três ângulos de câmera principais usados ao fotografar alimentos: sobrecarga, ângulo de 3/4 ou direto.
O Ângulo 3/4
O ângulo de 3/4 é quando sua câmera é colocada em qualquer lugar de 25 a 75 graus em relação ao seu assunto.
O ângulo 3/4 é um ângulo popular porque é muito versátil. Normalmente, você pode mostrar a frente e a superfície do prato, bem como as laterais.
Você vê muito esse ângulo na fotografia comercial de alimentos.
O Ângulo Aéreo
O ângulo superior é o ângulo de 90 graus. Este se tornou um ângulo muito popular recentemente devido ao Instagram.
Esse ângulo definitivamente tem vários pontos positivos. É bom para ajustar vários elementos em uma cena, como em uma mesa. Isso também o torna um ótimo ângulo para contar histórias. Você pode ver uma variedade de adereços, ingredientes ou pratos de comida no quadro ao fotografar de cima. Freqüentemente, também é mais fácil compor sua foto usando esse ângulo do que um ângulo de 3/4 ou reto.
No entanto, o ângulo de cabeça não funciona para todos os tipos de tiro de comida. Elimina a profundidade, o que dá um pop mais gráfico à imagem, mas não é adequado para todos os tipos de alimentos.
Com o ângulo suspenso, o que você mais enfatiza é a forma da comida e vários elementos da cena.
O ângulo reto
Este ângulo direto da câmera é mais adequado para alimentos “altos”, como hambúrgueres ou pilhas de brownies ou panquecas. Ele enfatiza a altura de um prato.
Quando você está atirando em hambúrgueres e sanduíches, o pão ou a parte de cima do pão esconde o que está dentro, então tirar a foto de qualquer lugar acima da comida não faz sentido.
Lembre-se, o objetivo é sempre focar nas melhores características da comida.
Composição
As ferramentas de composição podem nos ajudar a fazer melhores fotos, no entanto, nem todas as ferramentas funcionam para todas as imagens.
Antes de começar a atirar, conheça o objetivo da sua imagem. Qual é o clima? O que você deseja transmitir? Qual é o objetivo do seu tiro e como ele será usado?
Uma boa fotografia de comida evoca as emoções do espectador. A composição é uma das principais ferramentas que nos ajudam a fazer isso.
Linha
A linha é o elemento mais básico na composição visual. As linhas conduzem o olhar através de uma fotografia para os principais pontos focais e elementos e mantém o olho do observador focado na imagem
Há algumas coisas a serem observadas ao trabalhar com linhas. Ao usar linhas para direcionar o olhar do observador, elas devem apontar para o assunto principal ou para o enquadramento.
As linhas também nunca devem apontar para fora da moldura, pois os olhos serão forçados a deixar a imagem. Isso enfraquece a imagem e pode fazer com que o visualizador perca o interesse.
Regra de probabilidades
A regra de probabilidade afirma que, ao fotografar um grupo de objetos, ter um número ímpar de elementos no quadro é muito mais interessante visualmente do que ter um número par de elementos.
Números ímpares criam um senso de equilíbrio e harmonia e fornecem um ponto de descanso para nossos olhos, enquanto números pares de objetos podem dividir nossa atenção e competir uns com os outros.
Quando há mais de cinco elementos em uma imagem, torna-se difícil para a mente registrar o número mais alto. Por esse motivo, é uma boa ideia compor muitos elementos em grupos de números ímpares sempre que possível.
Regra dos Terços
A regra dos terços tem como objetivo ajudá-lo a colocar os elementos principais e o ponto focal na composição.
Pense em uma grade imaginária que divide a imagem em nove partes iguais, como uma grade do jogo da velha. A proporção é de 1: 1 por retângulo.
A regra dos terços é um ótimo lugar para começar. Ajuda a adicionar harmonia às suas imagens e ajuda você a dar os primeiros passos na composição como um novo fotógrafo. Na verdade, pode funcionar para muitas imagens, principalmente paisagens.
Quando se trata de fotografia de comida, no entanto, essa regra pode ser limitante. Você pode acabar criando imagens desequilibradas e estranhas.
O Phi Grid é um conceito semelhante que é mais poderoso do que a Regra dos Terços. Ambas as grades parecem quase iguais, mas as linhas centrais da grade Phi estão mais próximas.
The Phi Grid
Phi Grid
O Phi Grid é uma expressão do Proporção áurea. Ajuda a criar uma imagem equilibrada e naturalmente agradável.
A grade Phi segue a proporção de 1: 1,618, uma proporção que é uma constante na natureza e para a qual gravitamos automaticamente.
Ele aparece em todo o mundo natural, desde a concha de um náutilo até o número de pétalas de uma flor.
Você pode encontrar a proporção áurea em qualquer lugar do mundo ao nosso redor, embora ninguém possa explicar exatamente por que existe dessa maneira.
Você pode usar esse conhecimento em sua fotografia. Pensar em como o olho se move através de uma imagem e incorporar alguma expressão da proporção áurea o ajudará a criar imagens que o cérebro reconhecerá como esteticamente atraentes e harmoniosas.
Espaço negativo
O espaço positivo é o espaço ocupado pelo seu assunto principal. O espaço negativo é uma área onde seus olhos podem descansar. Proporciona equilíbrio, um pouco de espaço para respirar e enfatiza o assunto.
O espaço negativo pode retratar movimento e dar contexto a uma imagem. Também pode dar ao espectador a ideia de que há uma história além do que o olho está vendo.
Na fotografia de alimentos, há uma tendência de fotografar com muitos espaços negativos devido à colocação do texto, principalmente quando se trata de trabalhos em revistas, embalagens de produtos ou anúncios.
Quando uma imagem não usa espaço negativo, pode parecer um pouco claustrofóbica e confusa. Além disso, quando há muita coisa acontecendo em uma imagem, o visualizador não tem certeza de onde olhar.
Repetição
Elementos repetidos também adicionam interesse a uma imagem. A repetição pode ocorrer espontaneamente no sujeito ou pode ser criada por elementos adicionais, como adereços e ingredientes de apoio.
Às vezes, os padrões podem se tornar monótonos, portanto, quebrar um padrão pode criar uma fotografia mais forte.
Existem várias maneiras de criar uma quebra no padrão, como uma quebra na cor, forma, tamanho ou textura. Onde você coloca essa pausa é crucial; você deseja colocá-lo em um de seus pontos focais ou ao longo de linhas que se cruzam.
Cor
A cor é uma parte importante de uma composição. Ele evoca emoções e cria uma sensação de humor dentro de uma imagem.
As cores frias e escuras, como o azul marinho e o preto, recuam, enquanto as cores claras ou quentes, como o amarelo, trazem os objetos para a frente.
Planos de fundo e cores de superfície muito brilhantes podem prejudicar o assunto; eles devem ser escolhidos de acordo com o clima que você deseja criar, bem como em harmonia com os elementos escolhidos.
As combinações de cores podem ser monocromáticas quando são variações tonais dentro de um único matiz. Essa abordagem tem seu lugar, mas a utilização de cores complementares é uma ótima técnica a ser aplicada à fotografia de alimentos.
As cores complementares aparecem diretamente opostas uma à outra na roda de cores, como vermelho e verde ou azul e laranja.
O esquema de cores que você escolher para trabalhar será, em parte, ditado pela comida que você está atirando.
Suas cores também devem ser equilibradas em termos de não ter muitas cores em um quadro, o que parecerá caótico.
Textura
Uma das melhores maneiras de adicionar interesse às suas fotos é com textura. Ele adiciona contraste e detalhes e realça os assuntos alimentares.
A textura ocorre naturalmente nos alimentos, mas também pode ser usada de forma eficaz em fundos e superfícies, e em seus adereços e roupas de cama, desde que não exagere.
Muita textura na comida, na roupa de cama e nos fundos compostos juntos pode parecer muito ocupada e sobrecarregar o visualizador.
Editando Suas Imagens
O Lightroom da Adobe é um excelente programa de pós-processamento. É mais intuitivo e fácil de aprender do que o Photoshop.
Eu recomendo usar o Lightroom para fazer seus ajustes globais e, em seguida, ajustar sua imagem no Photoshop, se necessário. Por exemplo, se você precisa trabalhar em áreas específicas da imagem.
Vejamos as ferramentas mais importantes:
O Histograma
É importante ter um conhecimento básico do histograma para fazer os ajustes adequados à exposição e aos tons da imagem.
Um histograma mapeia a faixa tonal de uma imagem. O brilho é representado graficamente em tons de cinza. Cada pixel da imagem é atribuído a um valor.
O preto está à esquerda, enquanto o branco está à direita. Você pode encontrar os tons de cinza entre eles.
A distribuição dos tons no histograma informará sobre a exposição geral da imagem.
Um grande pico em qualquer uma dessas regiões significa que a imagem tem muitos pixels nessa densidade específica. Uma lacuna aberta no histograma significa que não há pixels nessa densidade.
Verifique se você tem um pico forte na extremidade preta ou branca do histograma. Se você fizer isso, sua imagem poderá ficar subexposta ou superexposta.
Geralmente, a maioria das imagens tem melhor aparência se contiverem valores claros e escuros. Caso contrário, eles podem não ter contraste e parecerem planos.
Recorte
É uma boa ideia cortar e endireitar sua imagem antes de começar a fazer ajustes globais.
Para endireitar uma imagem, comece no Transformar painel e clique em -> Auto.
Se isso não funcionar, você pode tentar uma das outras configurações ou fazê-lo manualmente no Ferramenta de corte.
Para acessar a ferramenta Recortar no Lightroom, clique no símbolo da grade sob o Histograma no painel superior. Ou acertar R para o atalho de teclado. Isso permitirá que você recorte sua imagem trazendo os cantos com o cursor.
Observe que quando o cadeado está fechado no símbolo de cadeado, a ferramenta corta cada lado da imagem uniformemente.
Se você gostaria de cortar de forma livre, simplesmente clique nele para desbloqueá-lo.
Balanço de Branco
O balanço de branco é um aspecto muito importante do pós-processamento de suas fotos de alimentos.
Eu recomendo fotografar com um cartão cinza e ajustar o equilíbrio de branco no pós-processamento. Isso remove projeções de cores incorretas e garante que seus brancos sejam realmente brancos.
Um cartão cinza é um pedaço de plástico cinza que você pode comprar em uma loja de suprimentos para câmeras. É exatamente 18% cinza, que é o que sua câmera procura ao medir uma cena.
Tire uma foto com seu cartão cinza na cena. No Lightroom, pegue o conta-gotas do Equilíbrio de branco e clique no cartão cinza. Ele irá ler automaticamente o equilíbrio de branco adequado.
O Painel Básico
Este painel é onde você pode acabar fazendo muitos ajustes antes de definir uma aparência final.
Exposição afeta o brilho da gama de tons em sua imagem, no entanto, brincando com suas sombras e realces, e seus brancos e pretos proporcionarão um equilíbrio mais preciso de tons do que simplesmente depender do controle deslizante Exposição.
Verifique se as áreas brilhantes parecem turvas ou se as sombras ainda precisam de mais luz. Mova os controles deslizantes para pontos onde a imagem parece boa no geral.
Você provavelmente precisará voltar e reajustar o controle deslizante de exposição depois de fazer as edições com os outros controles deslizantes.
Vibrância e Saturação
Vibração também é um controle deslizante importante na edição de fotografia de alimentos.
É uma ferramenta de edição melhor do que Saturação porque é mais sutil. Ajusta as cores menos saturadas sem intensificar as já saturadas.
A vibração primeiro aumentará a saturação das cores atenuadas e, em seguida, das outras cores.
Se você realmente usa o controle deslizante de saturação depende da imagem. Em geral, uma abordagem conservadora é o que funciona melhor ao editar fotos de alimentos.
Se você decidir usar este controle deslizante, mova-o um pouco para cima, para cerca de +5 ou +6.
Curva de Tom
Novos usuários costumam encontrar o Curva de Tom desafiador, mas é uma das ferramentas mais poderosas encontradas no Lightroom.
A curva de tons é um gráfico que mapeia onde estão os tons em suas imagens. O eixo inferior da curva de tom começa com sombras no lado esquerdo. Termina com Destaques na extremidade direita. Os tons médios ficam no meio, em uma faixa do mais escuro ao mais claro. Eles ficam mais escuros conforme você se move para baixo e mais brilhantes conforme você se move para cima no eixo.
Você pode controlar a claridade e a escuridão de seus tons. Ajusta a Curva de Ponto em si ou o Curva de Região.
A região possui controles deslizantes para cada parte da faixa tonal. Conforme você arrasta cada controle deslizante, a curva e a imagem mudam.
Para fazer ajustes com a curva de pontos, clique na área que deseja afetar. Isso criará um ponto de ancoragem no qual controlar o tom.
Arrastar a ponta para cima ilumina esse tom; arrastá-lo para baixo escurece-o.
Avalie os meios-tons em sua imagem para ver se eles já estão claros. Caso contrário, clique no meio da curva de tom e aumente o ponto.
Se eles forem muito brilhantes, diminua a curva. Verifique as outras partes da sua imagem.
Se você está apenas começando a aprender a curva de tons, experimente primeiro os controles deslizantes de região. Observe como os vários controles deslizantes afetam a curva.
Qualquer que seja a abordagem escolhida, certifique-se de observar o histograma enquanto faz as alterações. Dessa forma, você terá certeza de que não está perdendo detalhes importantes.
HSL
HSL significa Matiz, Saturação, e Luminância. É aqui que você equilibra as cores no Lightroom.
Os ajustes de cores geralmente são mais subjetivos do que os ajustes de tons. Isso ocorre porque a cor dá uma sensação de humor à fotografia.
Existem duas maneiras de fazer ajustes de cores neste painel. Você pode ajustá-los todos de uma vez em HSL / All. Ou cada cor individualmente sob o Cor guia na parte superior do painel.
O Matiz A guia ou seção na parte superior do painel é onde você escolhe o quão quente ou fria deseja que cada cor em sua imagem seja.
Por exemplo, acho que os verdes quase sempre parecem errados. Eu deslizo os verdes um pouco mais para a esquerda ou direita para torná-los mais realistas.
Para adicionar mais calor - ou seja, mais amarelo - aos verdes, deslize-o para a esquerda. Para um matiz mais frio, deslizar para a direita adiciona mais azul.
O Saturação O controle deslizante no painel básico ajusta a cor de toda a imagem. Mas os controles deslizantes de saturação aqui ajustam cada cor individualmente.
Se você ajustar uma cor para ficar mais saturada, isso afetará a saturação dessa cor específica em toda a foto.
Esteja você trabalhando no painel básico ou no painel HSL, a saturação requer uma mão leve.
Por último, Luminância afeta o brilho da cor. Esses controles deslizantes são mais valiosos do que os controles deslizantes de saturação, portanto, trabalhe com eles primeiro.
Editar no Lightroom é uma questão de equilíbrio. O mesmo acontece ao trabalhar com ajustes de matiz, saturação e luminância.
Nitidez
A nitidez deve ser a última etapa de edição. Ele adiciona contraste entre pixels e bordas, o que cria definição e uma aparência mais refinada.
No entanto, você não precisa aplicar nitidez a toda a imagem porque, em fotografia de comida, não há muito sentido em aumentar a nitidez dos adereços e do fundo.
O foco está na comida, então é isso que você apura.
Para fazer isso no Lightroom, mascare a imagem para selecionar as áreas da imagem que deseja tornar mais nítida. Segure o Alt / Opção enquanto clica em Mascaramento no Nitidez painel.
O Lightroom mostrará onde a nitidez está sendo aplicada em branco. Sua imagem parecerá um raio-x.
Deslize para a direita. Quanto mais à direita você for, menos a imagem ficará nítida.
Você descobrirá que estará na faixa de + 70-80 para nitidez para fotografia de alimentos.
Em conclusão
Há muito o que aprender quando se trata de fotografar alimentos, mas, felizmente, este guia deu a você uma visão geral do que está envolvido e algumas ideias sobre como você pode melhorar suas imagens.
Quanto mais informações você tiver, mais poder terá em suas decisões criativas.
Acima de tudo, muita prática é o que o levará ao próximo nível em sua fotografia de alimentos.