Chega um ponto, ou um platô, como na carreira de todo fotógrafo (seja você um fotógrafo intermediário ou profissional) em que você bate em uma parede. É uma crise pessoal que você enfrenta quando atinge um certo ponto de proficiência técnica. Bem, basicamente você atingiu um platô porque já conhece todos os elementos da fotografia, desde a composição, às habilidades técnicas, à edição de imagens, mas de alguma forma algo está faltando - substância, significado, conexão emocional e encontrar seu próprio estilo.
Então, eu o convido a esquecer o que você sabe por um segundo e olhar para sua fotografia sob uma luz diferente. Composição e habilidade técnica são certamente fatores importantes na criação de boas fotografias, mas como você cria excelentes fotografias com significado?
Perceber que há mais por trás de uma fotografia do que apenas uma representação visual de tempo, lugar e assunto, e pode ser muito mais gratificante quando você se desafia a encontrar sua voz, sua perspectiva e criar uma conexão emocional para o espectador.
Suas fotos mostram seu ponto de vista e perspectiva de como você vê o mundo. Por exemplo, se você colocasse seis fotógrafos em uma sala e pedisse a eles para criar uma imagem única, cada fotografia seria diferente. Você já fotografa com significado, mas não percebeu o quanto seu subconsciente adiciona sua perspectiva às suas imagens.
Significado em ação
Agora que você percebeu que a fotografia é mais do que um estágio de GAS (síndrome de aquisição de equipamento), onde você está comprando as melhores e mais recentes câmeras, lentes, software e itens diversos para a fotografia, é hora de evoluir para um fotógrafo melhor - um com um propósito.
“A verdadeira questão não é o que você olha, mas o que você vê.” - Henry David Thoreau
Então, como você se separa da natureza técnica da fotografia? As habilidades que você herdou por meio de tutoriais, artigos, aulas, workshops, vídeos online, etc., ainda estão lá em sua mente. Você finalmente se sente confortável fotografando com iluminação diferente, configurando esquemas de iluminação diferentes, conhecendo bem sua câmera e tudo isso será útil quando você estiver preparando sua própria voz ou estilo de fotografar.
Ao colocá-los de lado, você precisa aprender uma nova maneira de fotografar, e isso exigirá dedicação e trabalho árduo, mas no final das contas será o esforço mais recompensador, especialmente se é isso que você quer fazer para viver.
Mimetismo é a maior forma de lisonja
O primeiro passo é tentar fotografar no estilo do seu fotógrafo favorito. Ao aprender como eles elaboram suas imagens, você será informado sobre a visão deles, o que inspirará seus próprios insights criativos. Você não precisa recriar exatamente uma imagem perfeitamente como eles, mas apenas tentar entender o que eles estão fazendo e, em seguida, tentar recriá-lo.
A segunda etapa é fazer os desafios da foto. Um desafio fotográfico ou tarefa é uma maneira de testar seus lados técnicos e artísticos, combinados para criar uma tarefa de casa que outros julgarão. Ser revisado por outros fotógrafos não só lhe dará conselhos úteis, mas também fornecerá informações úteis para futuras críticas ao seu trabalho.
Você pode ter um certo estilo de fotografia que o atrai, como paisagens ou fotografia de rua. Mas e se alguém desafiar você a fazer algumas fotos macro, arquitetônicas, retratos ou qualquer coisa diferente do que você está acostumado? Ele o tira da sua zona de conforto e desafia seu conhecimento como fotógrafo, ao mesmo tempo que lhe fornece ideias para incorporar ao seu próprio trabalho.
Agora você está usando toda a sua formação técnica em fotografia e colocando-a em prática. Finalmente, faz sentido que você precise conhecer essas habilidades técnicas para criar algo com mais significado. É como um médico recém-saído de sua residência, aprendendo como se tornar um cirurgião. Você confiaria que essa pessoa o cortaria sem aprender com outros cirurgiões mais experientes? É o mesmo com a fotografia, é o treinamento no trabalho.
Você precisa aprender tudo, testar tudo e aprender diferentes estilos. Então, você pode começar a ver seu estilo aparecendo, porque você lentamente aprendeu como criar sua própria visão, estudando aqueles cujo trabalho você tem uma conexão.
Composição meditativa
Percebi logo no início que meu método era encontrar um assunto, compor, absorver a atmosfera e esperar pacientemente. Enquanto esperava, absorvi todas as coisas que aconteciam ao meu redor, sem qualquer tipo de noções preconcebidas, mas, em vez disso, apenas deixando o mundo acontecer ao meu redor sem tentar controlá-lo. Foi um estado meditativo, onde coloquei o cavalete (câmera em tripé) e esperei o momento decisivo para atirar (colocar o pincel na tela).
Eu estava no Monumento Nacional White Sands perto de Alamogordo, Novo México, no verão passado, sentado em uma colina de areia branca, observando o céu mudar de um tom profundo de azul para um céu escuro, formando uma tempestade elétrica. Os ventos começaram a aumentar e as areias brancas começaram a soprar. Em meu quadro, vi o céu mudar para um magenta profundo, e as areias se movendo quase em um tornado como um redemoinho. Eu sabia no momento que deveria clicar no obturador, e fui capaz de capturar um momento especial compondo e esperando.
“Mas uma boa fotografia envolve mais do que informação. Procuramos também apresentar uma imagem que desperte a curiosidade do espectador ou que, o melhor de tudo, provoque o espectador a pensar - a fazer uma pergunta ou simplesmente a olhar com admiração pensativa. Sabemos que as fotos informam as pessoas. Também sabemos que as fotos emocionam as pessoas. A fotografia que faz as duas coisas é aquela que queremos ver e fazer. É o tipo de foto que dá vontade de pegar sua câmera novamente e ir trabalhar. ” - Sam Abell
Equivalência
Equivalência é um termo que tem sido usado desde que Alfred Stieglitz começou a expressar seu trabalho como mais do que apenas uma captura da realidade, mas em vez disso, as coisas que ele capturou estavam emocionalmente conectadas a ele, fossem padrões geométricos, pessoas, etc.
O termo equivalência vem do pintor abstrato Wassily Kandinsky. Sua missão era criar mais emoção com sua pintura, de modo que o público que viu seu trabalho pudesse encontrar e sentir uma conexão emocional com seu trabalho. Foi Stieglitz, que numa época em que a fotografia era apenas documentação, incorporou a ideia de equivalência ao seu processo fotográfico. Resumida em sua forma mais simples, a equivalência é a crença de que cores, formas e linhas geométricas refletem as emoções internas. Ao estudar Kandinsky, ele encontrou significado em seu próprio trabalho.
Então, o que isso significa para você, um fotógrafo que tenta criar fotos com significado? O significado fotográfico não é a tradução literal de uma imagem. Em vez disso, é uma maneira de você usar sua voz ou perspectiva, para criar uma obra que não precisa ser explicada, que também evoca algo / qualquer coisa no visualizador.
Essa equivalência é o que muitos grandes fotógrafos descobriram, e quando vemos as fotos de Dorothea Lange “Migrant Mother” ou Robert Capa de “The Falling Soldier”, somos instantaneamente afetados por elas e não temos que entender o que está acontecendo. Vemos o horror da guerra e o olhar de incerteza nos olhos de uma mãe enquanto ela segura seus filhos.
Ligue os pontos
A beleza da fotografia é que uma única imagem pode contar uma história inteira, ou um ensaio fotográfico pode juntar uma narrativa importante. Uma história que vale a pena contar é o mesmo que fotografar com sentido. As fotografias são a sua forma de mostrar o seu ponto de vista, ou o dos seus temas, a uma audiência.
Capturamos a experiência humana, seja um genocídio ou a volta de soldados da guerra. Pode ser dor, beleza, graça, nojo, mas as fotos são contadoras de histórias visuais, e aqueles que entendem como fazer uma história com suas imagens se tornam os mais bem-sucedidos.
“Para mim, tirar fotos é um meio de compreensão que não pode ser separado de outros meios de expressão visual. É uma forma de gritar, de se libertar, não de provar ou afirmar a própria originalidade. É um modo de vida." - Henri Cartier-Bresson
O trabalho de cada grande fotógrafo foi influenciado por aqueles que vieram antes deles. Alguns de nós têm um olho natural para a composição e ótimo timing, mas isso significa que o trabalho árduo não ajudará aqueles que não têm essas habilidades a adquiri-las?
Para fotografar com sentido, existe um caminho literal para encontrar essa descoberta. Para acelerar esse processo é preciso muito trabalho, dedicação e humildade. Você precisa queimar seus cartões de memória e dar uma olhada em cada uma das suas molduras para ver o que funciona e o que não funciona. Você precisa olhar os álbuns de fotos dos mestres para ver a visão deles, para ajudar a cultivar a sua, recriando suas obras.
Você precisa ser paciente, reflexivo e disposto a se sujeitar a situações desconfortáveis e, às vezes, até perigosas, para realmente se esforçar para se tornar um fotógrafo melhor.
Criar uma conexão emocional com o seu trabalho é encontrar a equivalência que falará muito ao seu público, sem que você tenha que se explicar. Então, para deixar claro, para encontrar significado em suas fotos, você deve estar disposto a estudar, tentar, falhar e explorar outros gêneros de fotografia para encontrar seu lugar, sua visão e dar uma olhada mais profunda dentro de si mesmo e do trabalho que você pretendo criar.
Ao estudar os ancestrais da fotografia, você pode criar algo novo que foi influenciado por fotografias poderosas e significativas. Não é plágio combinar técnicas ou processos de terceiros. Além disso, seria como dizer a alguém que nunca leu um livro, e não entende o enredo, para escrever o grande romance americano.
Você deve aprender a andar antes de poder correr.